Christoblog

L'intérêt des livres de Laurent Mauvignier réside avant tout dans leur qualité littéraire : une langue dense et riche, lourde de sens cachés et de digressions poétiques. 

Autrement dit, le point fort d'un roman comme Histoires de la nuit n'est clairement pas son intrigue.

L'adaptation un peu sèche qu'en fait Léa Mysius, ne s'appesantissant pas sur la profondeur psychologique des personnages, ni sur leur relation, a donc pour résultat de donner une oeuvre aux faux airs de thriller, qui peine à trouver sa place dans le spectre des genres possibles.

Le film n'est pas à proprement parler une chronique sociale : les personnages sont superficiels, en particulier celui de Thomas, joué par un Bastien Bouillon qui a l'air un peu perdu, et dont on ne perçoit pas la nature profonde. On ne comprend pas non plus la réelle nature de sa relation avec Cristina.

Quant aux contextes sociologiques potentiellement effleurés par le film (les difficultés du monde agricole, la condition d'artiste en manque de succès, la réinsertion d'anciens délinquants), ils ne forment qu'une toile fond qui n'accroche pas l'attention.

Histoires de la nuit n'est pas non plus un home invasion traditionnel, même s'il en a tous les atours. Il manque de nerfs et d'efficacité pour être palpitant, et les traits d'humour qui le parsèment nuisent au maintien de la tension. La réalisatrice ne se montre pas vraiment à l'aise avec la violence, comme le démontre la calamiteuse scène de gunfight à l'extérieur.

Je suis donc resté perplexe devant ce drôle d'objet, et ai surtout trouvé un intérêt à observer le jeu exceptionnel de Benoît Magimel qui n'a pas d'équivalent pour jouer les méchants doucereux dont on sent qu'ils peuvent instantanément devenir des tueurs.

C'est pour moi le seul élément vraiment convaincant du film.

Léa Mysius sur Christoblog : Ava - 2017 (***) / Les cinq diables - 2022 (**)

Après l'infirmière justicière de L'intérêt d'Adam et l'enquêtrice intègre de l'IGPN de Dossier 137, Léa Drucker endosse à nouveau un de ses costumes préférés, celui de Sainte laïque. 

Elle campe cette fois-ci une chirurgienne entièrement dévouée aux autres : ses collègues, sa soeur, son neveu, ses patients, sa mère, les enfants de son mari.

Sa sainteté n'a pas de limite. Elle prend même le temps d'aller en Ukraine soigner les victimes de guerre : je me suis demandé à quel moment une auréole allait apparaître au-dessus de sa blonde chevelure ! 

En réalité, tout cela présente un intérêt quasi-nul, d'autant plus que la toile de fond (l'hôpital public est en train de couler, ma brave dame), peut-être le sujet préféré des cinéastes français actuellement, a déjà fait l'objet de multiples représentations, parfois bien plus réussies (par exemple dans La fracture).

Mais attendez : la pauvre chirurgienne a bien le droit de profiter elle aussi de la vie ! Elle va le faire dans les bras de Mélanie Thierry, craquant pour elle dans le décor somptueux de la montagne italienne (et dans un chalet cosy s'il vous plait, car le film n'est pas à un poncif près).

A la fin du film, notre Chef de service en mode robocop se fait plaquer (par sa maîtresse, par son meilleur ami et collègue), permettant d'upgrader son statut de sainte en celui de martyr. A ce niveau de complaisance doucereuse, je dois dire que cela me faisait presque plaisir de la voir se prendre quelques claques, et que je n'étais pas loin d'espérer quelques malheurs de plus pour notre héroïne toujours béatement optimiste.

Pour finir, il me faut préciser que le film assez mal écrit, filmé souvent avec les pieds, et joué très inégalement. Je n'ai pas aimé du tout La vie d'une femme, vous l'avez compris.

Charline Bourgeois-Tacquet : Les amours d'Anaïs - 2021 (**)

A l'occasion de sa sortie en DVD

Commençons par oublier le titre, qui semble être une accroche de réseau social qui se voudrait cool, alors que le film est plutôt austère, sans éclairage artificiel (ou très peu), avec des décors grisâtres et une mise en scène qui prend son temps.

Le premier intérêt de Vivaldi et moi est de nous faire voir la façon de vivre dans la Venise du XXVIIIème siècle. La dureté de la vie, le sort des enfants abandonnés, la violence des rapports sociaux, le sort des femmes en général : tout y est montré frontalement, mais avec une douceur dans le regard qui atténue la violence de ce qui est raconté.

Bien sûr, on découvre au passage quelques éléments de la vie de Vivaldi, possédé par son art comme une rock star, asthmatique, isolé et ombrageux. Mais la force du film tient dans le personnage féminin de Cécilia (formidable Tecla Insolia), qui est prête à tout pour continuer à faire de la musique avec le maître, dans son Ospedale della Piéta.

La réalisation de Damiano Michieletto, très connu en Italie pour ses mises en scène d'opéra, est à la fois classique et inspirée. Elle contribue grandement au plaisir qu'on éprouve à suivre ce film instructif et prenant, tiré d'un roman à succès de Tizano Scarpa, qui s'inspirait lui-même de faits réels.

Dans la veine du "réalisme social de province", qui a fourni beaucoup de films au cinéma français ces dernières années*, La frappe propose une variante autour de l'inceste, ou plutôt de ce qui reste de l'inceste quand les enfants ont grandi.

Le premier film de Julien Gaspar-Oliveri permet à un duo de jeunes acteurs (Diego Murgia, Romane Fringeli) de donner à voir une prestation habitée et convaincante. Bastien Bouillon sort de sa zone de confort pour jouer un salaud opaque et doucereux, affirmant son talent protéiforme.

Je n'ai pourtant pas été convaincu par le film à l'écriture trop indolente (des scènes s'étirent à l'infini sans raison), beaucoup trop long (1h45) et qui ne semble pas savoir exactement ce qu'il veut raconter. Les parti-pris de mise en scène du réalisateur (gros plans sur la peau des personnage, caméra à l'épaule) ne m'ont pas vraiment convaincu.

Malgré ses qualités de réalisme frontal et dépouillé (on pense parfois à un Kechiche rabougri), La frappe est donc pour moi plutôt décevant, et éprouvant à regarder.

* En vrac : L'épreuve du feu, Partir un jour, La pampa, Vingt Dieux, Diamant brut, Chien de la casse...

A l'occasion de sa sortie, je vous propose de gagner 3x2 places pour découvrir le film Notre Salut d'Emmanuel Marre, prix du scénario à Cannes, qui sort sur les écrans le 30 septembre.

Pour ce faire :

Un tirage au sort départagera les gagnants. Vous recevrez ensuite les places envoyé par mail par le distributeur. NB : un des trois lots sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien).

L'inconnue est un film intrigant et souvent fascinant, mais contrairement à ce qu'affirme plusieurs critiques, il n'est pas du tout difficile à suivre ou à comprendre.

L'intrigue est assez simple en réalité : un homme (méconnaissable Niels Schneider) se retrouve dans un corps de femme (à peine reconnaissable Léa Seydoux). Il recherche son enveloppe corporelle, la retrouve, et ... va ensuite de surprise en surprise.

Arthur Harari se tient à plusieurs principes assez clairs : ses personnages essayent de gérer leur situation de façon la plus rationnelle possible (et cet aspect est très bien vu), ils sont hébétés par ce qui leur arrive, et pas vraiment à l'aise dans leur nouveau corps.

Le film n'est ni horrifique, ni comique : il préfère mettre efficacement en scène un vertige métaphysique, et parvient à colorer cette épopée de l'étrange d'un gris profondément mélancolique. En cela il constitue presque un manifeste philosophico-poétique, servi par deux acteurs qui semblent étrangers à leur enveloppe corporelle.

Un beau et grand moment de cinéma.

Arthur Harari sur Christoblog : Diamant noir - 2016 (**) / Onoda - 2021 (****)

A l'occasion de la sortie en DVD chez Epicentre Films de Father, je vous propose de gagner le DVD du film.

Pour ce faire :

Un tirage au sort départagera les gagnants. Vous recevrez ensuite le DVD envoyé par le distributeur. NB : un des trois DVD sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien).

Il y a beaucoup de choses intéressantes dans le premier film, en tant que réalisatrice, de l'actrice Shu Qi, égérie (entre autre) de Hou Hsiao-Hsien.

En vrac : une sensibilité à fleur de peau, une direction d'acteur intense, des idées originales, une belle densité dans certaines scènes particulièrement oppressantes.

Malgré ces qualités, Girl est toutefois une oeuvre difficile d'accès.

Son introduction d'abord, comprend des passages oniriques dont on ne comprend pas vraiment le sens (saut dans le passé, vision de la mère ?) et qui perturbent notre compréhension. Ce point est d'autant plus troublant que le film devient ensuite tout à fait normal, dans une veine quasi naturaliste.

Il faut également être préparé à des séquences dérangeantes donnant à voir la violence d'un père alcoolique dans tout ce qu'elle a de plus horrible. Cette ambiance doloriste pourra profondément déranger les spectateurs les plus sensibles : on attend durant plus de deux heures que le destin délivre finalement cette femme et ses deux filles de leur calvaire.

Malgré ces réserves, je termine plutôt sur une note positive cette chronique partagée : le style dense et la sensibilité de Shu Qi méritent d'être découverts.

Aucun cinéaste n'est capable de proposer quelque chose d'équivalent, même de loin, à ce que réussit parfaitement Ryusuke Hamaguchi ici : faire émerger du quotidien des moments de pure grâce, multiplier les conversations sur des sujets difficiles sans paraître pompeux, proposer de grands sentiments sans qu'il soit question d'amour, mélanger préoccupations triviales et considérations philosophiques.

Soudain ménage des moments de cinéma exceptionnels, qui surgissent souvent après une longue mise en place anodine qui pourra peut-être paraître longue à certains. C'est le contraste entre les préoccupations de la vie quotidienne (les enfants, les contraintes de la vie professionnelle, la solitude subie) et la grâce de l'inattendu qui rend ce film si précieux.

La mise en scène de Hamaguchi, discrète et fluide, est splendide. On n'oubliera pas de sitôt le sublime travelling sur le parvis de la bibliothèque François Miterrand ou la lumière irréelle du lever de soleil à Kyoto.

Dans ce concerto maîtrisé de bout en bout, deux solistes renversent la table : la soprano Tao Okamoto et l'alto Virginie Efira, qui rivalisent de finesse et de beauté, dissemblables et proches à la fois, illustrant à la perfection la rencontre de deux âmes.

C'est magnifique.

Ryusuke Hamaguchi sur Christoblog : Passion - 2008 (***) / Senses - 2018 (***) / Asako I&II - 2019 (**) / Drive my car - 2021 (****) / Contes du hasard et autres fantaisies - 2021 (***) / Le mal n'existe pas - 2023 (**)

Il y a quelque chose de profondément réjouissant dans ce film : c'est le contraste entre le statut des comédiens (parmi les meilleurs) et la façon dont ils ne se prennent pas au sérieux.

De fait, l'écriture de Bertrand Usclat et Martin Darondeau exploite à fond ce contraste, en en multipliant les chatoiements : les blagues sont convenues mais le cadre est somptueux, le sourire affleure en permanence mais ce sont les larmes qui montent à la fin du film, la narration est très rapide mais l'histoire du lieu est multi-centenaire.

De la Comédie-Française est donc un film légèrement dense, ou profondément léger. Tout y est charmant et bien pesé, de bon goût jusque dans les quiproquos à base de slips abandonnés.

Le casting est épatant, avec deux mentions spéciales : Pauline Clément est exceptionnelle d'enthousiasme raisonné et Laurent Stocker magnifique en cocu infatué.

Une grande petite comédie, et sûrement un des meilleurs moments de cinéma de l'année, qui magnifie la magie du théâtre et celui de la troupe du Français.

Dans le nouveau film de Cristian Mungiu, deux parties sont renvoyées dos à dos : une famille traditionnaliste roumaine farouchement chrétienne et les services de protection de l'enfance de l'état norvégien.

Ces derniers sont montrés sous leur plus mauvais jour : kafkaïens, sans contre-pouvoir, et aux prérogatives qui semblent abusives (la Norvège est la championne d'Europe des retraits d'enfants injustifiés suivant les statistiques de la cour européenne des droits de l'homme).

Cet état de fait rend le film légèrement bancal et ne maintient pas son point de vue strictement à mi-chemin des deux points de vue : c'est un peu dommage car cela nuit un peu à son équilibre, tout en suscitant des polémiques inutiles.

En ce qui concerne les qualités cinématographiques de Fjord, nous sommes dans du haut niveau : l'écriture est fine et détaillée, la composition des plans particulièrement élégante (sans atteindre la qualité du plan de groupe sidérant qui éclairait R.M.N.), le développement de l'intrigue suffisamment complexe pour que l'on soit tenus en haleine jusqu'à la fin.

La direction d'acteurs est une nouvelle fois impeccable avec un couple au top niveau, Sebastian Stan impressionnant d'opacité résolue, Renate Reinsve parfaite en mère offensée.

Il manque toutefois un petit quelque chose pour que l'exercice de style parfaitement maîtrisé soit un chef d'oeuvre : peut-être un peu plus d'ambiguïté morale, une âpreté plus radicale, un éclair de poésie (que le thème de la marche sur l'eau semble vouloir apporter sans y parvenir tout à fait) ou une accélération surprenante de la narration.

Une Palme d'or correcte, mais pour moi bien inférieure à celles de ces trois dernières années.

Cristian Mungiu sur Christoblog : 4 mois, 3 semaines, 2 jours - 2007 (****) / Au-delà des collines - 2012 (***) / Baccalauréat - 2016 (***) / R.M.N. - 2022 (***)

A l'occasion de la sortie en DVD chez Epicentre Films de Pour Klára, je vous propose de gagner le DVD du film.

Pour ce faire :

Un tirage au sort départagera les gagnants. Vous recevrez ensuite le DVD envoyé par le distributeur. NB : un des trois DVD sera attribué par tirage au sort à un participant ayant aimé ma page FB ou mon compte Twitter ou s'étant abonné à la Newsletter du blog (n'oubliez pas pour participer à ce tirage au sort spécial de me donner votre pseudo dans votre réponse, pour que je fasse le lien).

Le cinéma de Pascal Bonitzer, écrit avec minutie jusqu'à en être théâtral, est parfois très plaisant (Le tableau volé), et parfois désagréablement artificiel (Cherchez Hortense).

Nous sommes ici un peu entre les deux. Les dialogues sont ciselés, la direction d'acteur impeccable. Denis Podalydès campe un Maigret plus vrai que nature (si je puis dire), raide et attentif, le visage oscillant entre l'impassibilité qu'on lui prête habituellement et quelques éclairs d'amusement ou de surprise bienvenus.

Les autres rôles sont magnifiquement interprétés par des acteurs chevronnés, souvent rompus à la pratique théâtrale : l'excellente Anne Alvaro, les toujours délicieux Olivier Rabourdin et Laurent Poitrenaux, le délicat et imbuvable Micha Lescot. La transposition temporelle du roman au début du XXIème siècle fonctionne par ailleurs assez bien.

L'intrigue, par contre, est assez faible, et la mise en scène neutre de Bonitzer n'aide pas à la rendre plus palpitante. 

On observe donc avec gourmandise les performances d'acteurs sans être captivé par l'évolution de l'histoire, qui s'écoule avec tranquillité jusqu'à une fin évasive, et légèrement décevante.

Pascal Bonitzer sur Christoblog : Cherchez Hortense - 2012 (*) / Tout de suite maintenant - 2015 (**) / Le tableau volé - 2024 (***)

Cette version moderne de Love story (en gros, l'amour fauché par la maladie) joue avec une certaine réussite la carte du mélodrame assumé.

Le roman graphique autobiographique de AJ Dungo est adapté par la réalisatrice française Phuong Mai Nguyen dans une palette de couleur pastel assez agréable à regarder, et qui donne à sentir l'ivresse du surf avec brio.

Le film comprend des allers-retours temporels qui n'apportent pas grand-chose à son propos, et des passages oniriques en 2D qui ont le mérite d'apporter de la variété, sans qu'on en comprenne vraiment le sens.

Au final, on passe un assez bon moment, en appréciant plutôt les qualités formelles du film que sa capacité à nous émouvoir véritablement. J'ai été un peu étonné qu'il fasse l'ouverture de la Semaine de la Critique 2026 : il y a probablement plus original dans la production de l'animation "pour adulte" contemporaine.

Alors que j'ai été déçu par le dernier film de Christopher Nolan, je vais commencer par ce qui m'a plutôt plu.

Au rayon des satisfactions, il faut d'abord parler des décors naturels, de toute beauté. Les lieux de tournage (Sicile, Grèce, Maroc, Islande, Ecosse) sont bien choisis, et toujours en adéquation avec l'esprit de l'épisode qui s'y déroule.

L'absence de numérique à dose massive fait également du bien, et les effets spéciaux qui donnent vie aux monstres, géants et cyclopes, sont parfaits. Le rythme du film est également une de ses qualités : on ne s'ennuie (quasiment) pas durant les 2h53 du film.

L'impression générale que me laisse pourtant L'Odyssée est globalement négative. La raison principale en est certainement la façon dont Nolan transforme la puissance tellurique du texte homérique en clichés hollywoodiens, mal servi par un casting parfois peu convaincant.

Quelques exemples pour illustrer ce point de vue : Charlize Theron en Calypso ressemble a une James Bond girl qui émerge de la mer, Robert Pattinson semble jouer une dark romance à deux sous avec force roulements d'yeux pervers, Zendaya parait échappée de Dune en costume de fremen, elle est bien loin d'incarner la toute puissance intimidante d'Athéna.

Matt Damon lui même n'incarne pas, avec son physique body-buildé et sa moue permanente, toute l'ingéniosité vivace du toujours en mouvement Ulysse. 

Tout cette conformité finit par rendre le film du Britannique assez insipide, d'autant plus que Nolan, pour une fois, se contente d'une mise en scène extrêmement conventionnelle. 

Le résultat est un beau livre d'image qu'on a plaisir à feuilleter, mais dont la joliesse n'approche jamais en intensité la puissance du mythe et de ses réflexions quant à la guerre, l'amour, le temps.

Mieux vaut relire Homère.

J'aime beaucoup le cinéma de Stéphane Demoustier, aussi étais-je très impatient de découvrir son nouveau film.

Ce nouvel opus se situe quelque part entre le film de vacances (avec des clins d'oeil à Mektoub my love, la sensualité en moins) et le thriller psychologique versant culpabilité (on peut penser à Kieslowski), sans vraiment choisir sa voie.

Tout est ici esquissé, et on voit bien à la fois où Demoustier voudrait nous emmener, et la façon dont il rate son film : des facilités d'écriture, des personnages trop grossièrement dessinés, une intrigue qui se dilue vite (alors que le film ne dure que 1h33).

Restent tout de même d'évidentes qualités de direction d'acteurs (belle découverte de la jeune Martina la Manna) et la capacité qu'à Demoustier à tisser une atmosphère propre au film, ici de nature amère et cotonneuse.

A moitié réussi, à moitié raté : je vous laisse juge. 

Stéphane Demoustier sur Christoblog : La fille au bracelet - 2020 (***) / Borgo - 2024 (***) / L'inconnu de la Grande Arche - 2025 (***)

Dans cette deuxième partie, on retrouve nombre des qualités de la première : des apports historiques passionnants, et parfois méconnus (le plan américain pour l'Europe d'après-guerre, par exemple), une intrigue qui englobe plusieurs destinées, des reconstitutions de guerre très réussies.

La particularité de cet opus est d'être plus politique. On entre ici dans le détail de la lutte entre les deux composantes françaises de résistance au nazisme : la France Libre de De Gaulle et les forces du général Giraud. Le rôle essentiel que joua Jean Moulin en faveur de De Gaulle, en créant le Conseil National de la Résistance, est très bien montré également.

On découvre aussi l'attitude de président Roosevelt (très bon Campbell Scott), pas franchement amène avec les résistants français, et dont l'attitude entre en résonance avec l'actualité.

Il faut saluer ici le travail du réalisateur Antonin Baudry, qui sera parvenu en cet été 2026 à amener plus de 2,5 millions de spectateurs en salle, pour se plonger dans une oeuvre de plus de cinq heures, complexe et (presque) sans pathos.

Il faudra aussi lui reconnaître une formidable capacité à diriger une brochette d'acteurs parfois aux antipodes de leurs rôles habituels, comme par exemple Thierry Lhermitte qui campe un Giraud formidable.

Certains écrivent sur leur mort, d'autres font des films sur le sujet.

Avec l'aide du documentariste Anthony Benna, c'est ce qu'a décidé de faire André Ricciardi, publicitaire à succès et ado attardé, qui apprend qu'il est atteint d'un concert du colon, déjà généralisé.

La première partie du film est sidérante d'impertinence : André semble prendre son pronostic à la rigolade, et cela donne des séquences farcies d'humour noir, qui nous laissent indécis : faut-il rire de tout cela ou commencer à pleurer ? Tout cela est-il une blague et y a t'il un happy end caché ?

Eh bien non, il n'y en a pas : André est vraiment idiot de ne pas avoir fait sa coloscopie de contrôle, et il se dirige bel et bien vers une mort prochaine.

Dans son dernier tiers, lorsque la maladie devient génératrice de douleurs insupportables, la caméra s'éloigne évidemment d'André, donnant au film une tonalité bien différente, plus classique dans sa tristesse profonde, qui rend la début du film encore plus émouvant (la rencontre avec son épouse est par exemple rétrospectivement déchirante).

Une expérience hors du commun, pleine de trouvailles amusantes et originales, tels ses petits films d'animation qui parsèment le film : André is an idiot est un film dont on se souvient longtemps. Seul bémol au film le doublage en français (qui n'en est pas vraiment un puisque les voix françaises se superposent aux vois originales) gâche un peu le plaisir. 

On pouvait craindre beaucoup de choses à propos de ce film : qu'il soit une hagiographie éhontée, qu'il étouffe l'histoire au profit de l'anecdote, qu'il joue le spectaculaire ou la sensiblerie à l'excès, ou qu'il verse dans la caricature facile.

Le réalisateur Antonin Baudry évite à peu près tous ces pièges, construisant une oeuvre complète et ambitieuse, qui donne à voir la figure du Général sans l'embellir (son côté psycho-rigide est rendu à l'écran sans atténuation), tout en creusant la complexité de l'époque.

L'attitude de Churchill, tantôt romantique, tantôt froidement pragmatique, est ainsi restituée avec beaucoup de finesse, tout comme les innombrables trahisons qui parsemèrent la première partie de la guerre.

Le film alterne les passages plutôt intimistes (très bel arc narratif autour du personnage de Fernand) et les moments beaucoup plus spectaculaires, comme la bataille de Bir Hakeim, reconstituée avec une maestria assez rare dans le cinéma français.

Le tout est bien balancé, servi par une mise en scène qui n'hésite pas à se montrer parfois imaginative, et un casting quatre étoile, parmi lequel il faut mentionner la prestation de Simon Abkarian en De Gaulle, impeccable de sobriété.

J'ai été happé par ce film sans prétention, mais pas sans ambition, et n'ai qu'une hâte : voir le second opus.

Qu'apporte Disclosure day à la filmographie de Spielberg, et plus globalement au sous-genre de la science-fiction qui nous parle des extra-terrestres ?

Eh bien, par grand-chose, et c'est là le problème du film, qui paraît par bien des aspects terriblement daté, comme d'un autre temps. 

Si le savoir-faire du maître sauve un peu les apparences, il faut dire qu'on s'ennuie un peu, perdu que l'on est parmi une myriade d'idées et de concepts tous plus éculés les uns que les autres : des artefacts qui sont capables de tout faire (de la cape d'invisibilité à la prise de contrôle d'un esprit à distance), des illuminations sublimes qui font parler en coréen couramment quand on ne l'a jamais appris, des extra-terrestres capables de se transformer en animaux, une poupée à la grosse tête façon ET, etc.

Tout cela a été vu mille fois, et la répétition énervante de certains gimmicks (les méchants arrivent toujours dans dix voitures noires avec gyrophare) rend l'expérience parfois très pesante.

Ce n'est donc vraiment pas très bon. Dernier point : le film semble involontairement donner des argument aux théories complotistes de type Rosswell, et cela pourra en choquer certains.

Josh O'Connor et Emily Blunt font leur maximum, mais cela ne suffit pas à extraire Disclosure day de sa gangue de médiocrité façon 80's.